‘The Geography of Memory’ da Canvas Gallery reúne quatro artistas paquistaneses que vivem no exterior: Noormah Jamal, Mustafa Mohsin, Usaydh Agha e Ruby Chishti.
Suas práticas envolvem a memória como porosa, mutável e profundamente incorporada. A exposição desdobra-se como uma meditação multifacetada sobre identidade, migração e o resíduo emocional da experiência vivida. Cada artista aborda a memória através de uma linguagem visual diferente, construindo juntos mapas sutis do individual e do coletivo.
À primeira vista, as pinturas a óleo pastel de Jamal parecem quase infantis, com formas simplistas, cores vibrantes e uma sensibilidade lúdica e onírica. No entanto, esta aparente inocência dá lugar a algo mais complexo. Suas obras funcionam como constelações simbólicas onde montanhas, fogo, corpos celestes e objetos domésticos coexistem em relações ambíguas.
As pessoas movem-se entre nações, presas entre a vulnerabilidade e a autoridade silenciosa. Baseando-se em tradições orais e motivos culturais, Jamal cria imagens que parecem íntimas e míticas, onde as memórias aparecem fragmentadas, sobrepostas e não resolvidas.
Uma exposição profundamente introspectiva para quatro pessoas em Karachi apresenta as memórias como algo que pode ser reimaginado e reconstruído.
Em “Masharan (The Elders)”, Jamal constrói uma cena íntima e ritualística. Uma fileira de homens mais velhos está sentado ombro a ombro, com os olhos fechados, as expressões equilibradas entre a paz e a solenidade. Cada figura usa um kurta de cor diferente, incluindo roxo, amarelo, rosa, ocre, verde e vermelho, criando uma sequência rítmica de semitons ao longo da peça.
Até o pardal voltar para casa Ruby Chishti
As cores são visualmente vivas, mas a atmosfera permanece moderada, até triste. Em primeiro plano, formas pálidas e alongadas parecem fantasmas. Pode sugerir o corpo de uma criança coberta, uma oferenda simbólica ou um fragmento tangível de memória. O ato de se reunir parece importante, mas seu significado é intencionalmente deixado em aberto.
Em contraste, as pinturas de Mohsin são caracterizadas pela contenção e tranquilidade psicológica. Enraizadas num sentido de dissonância cultural moldada pelo movimento através das geografias, as suas figuras habitam um espaço reflexivo suspenso entre a presença e a ausência. Há uma teatralidade sutil nessas obras. O sujeito parece ciente de que está sendo observado, mas permanece retraído internamente.
Depoimento, Usaid Agha
Da arte do bolo à economia e às belas-artes, a jornada não convencional de Mohsin se manifesta em uma sensibilidade refinada à superfície, à cor e à composição. Suas pinturas preocupam-se com o desempenho da identidade e refletem como os indivíduos superam as expectativas em camadas impostas pela sociedade e por si mesmos.
Em Haram, Mohsin destila momentos de tensão silenciosa. Uma figura masculina solitária está sentada à mesa, absorta em cálculos privados. A composição é esparsa, mas carregada. O título carrega conotações de proibição e transgressão moral, retratando a cena como de conflito interno e não como simples contemplação. O que se desenrola é um encontro com um eu problemático, não resolvido e profundamente humano.
As pinturas de Aga ampliam os interesses da exposição para áreas mais filosóficas. Antes de se tornar pintora figurativa, Aga foi defensora. Estudou pintura histórica no Royal College of Art e posteriormente se formou em cursos na Academia Florentina de Belas Artes de Florença, Itália.
Suas imagens são intensamente privadas, mas ressoam com uma universalidade mais ampla. Suas imagens emergem de uma paisagem interior e ocupam um espaço entre sonhos e registros. Temas de poder, violência e herança cultural vêm à tona obliquamente, encorajando a consideração em vez da afirmação. A memória aqui não é um registro fixo, mas uma negociação em evolução.
O depoimento reinterpreta o motivo histórico da descida de Cristo da cruz através de lentes modernas. O caixão é baixado e apoiado pelas figuras circundantes, os gestos transmitindo tristeza e peso coletivo. O tempo e o lugar são intencionalmente desfocados, permitindo que a cena ultrapasse as suas origens bíblicas para uma meditação mais universal sobre a perda e a interdependência. A escala do trabalho traz à tona tanto a fragilidade do corpo quanto a persistência do cuidado, intensificando seu impacto emocional.
Masharan (Ancião), Norma Jamal
Se Jamal, Mohsin e Agha exploram a memória através de imagens e atmosfera, Chishti a fundamenta na materialidade. Suas esculturas, feitas com tecidos descartados, suportam o peso do toque, do uso e do tempo. Estes tecidos são muitas vezes retirados de um contexto pessoal ou ritual e, em vez de serem neutros, funcionam como repositórios de memória. As práticas Chishti são moldadas por experiências de deslocamento e separação familiar, transformando estes sobreviventes em narrativas de perseverança e sobrevivência.
Seu compromisso com a ideia das cariátides (figuras femininas esculpidas como suportes arquitetônicos) é revelador. Em sua obra, esse ideal clássico é reconsiderado através de corpos marcados pela experiência vivida. Embora não sejam de escala monumental, estas figuras têm uma força silenciosa e incorporam o que pode ser entendido como estruturas de memória, as formas invisíveis pelas quais a história é transmitida dentro do corpo. Os aspectos ecológicos também estão na base da sua prática, pois a reutilização de têxteis ilustra os ciclos de consumo, cuidado e preservação.
Em “Até o Retorno do Pardal”, uma pequena escultura feita com tecido descartado assume o formato de um barril de petróleo industrial, com uma figura feminina empoleirada em cima. Ela está suspensa entre o deslocamento e o abandono, vivendo no silêncio após a devastação onde até os pardais desapareceram. Suas roupas costuradas e usadas repetidamente tornam-se uma prova de durabilidade, e cada costura não será apagada. Esta pessoa está na fronteira entre a destruição e o retorno, onde a própria sobrevivência o aguarda.
Haram, Mustafá Mohsin
Chishti vincula este trabalho à sua série anterior, The Absence of the Sparrows, que retrata mulheres se abraçando após o conflito. Essas obras trazem à tona o trabalho invisível das mulheres que sustentam a vida em meio à destruição.
O que une a Geografia da Memória é a sua recusa em tratar a memória como estável ou singular. Em vez disso, a memória surge como fluida, contestada, profundamente subjetiva e capaz de ser reimaginada e reconstruída. Esta exposição resiste a narrativas definitivas e abre espaço à reflexão e à ligação pessoal.
Este trabalho lembra-nos de forma convincente que a memória, apesar da sua fragilidade e permanência, é uma das áreas mais importantes em que a arte pode interagir com o mundo.
“Geografia da Memória” foi exibida na Canvas Gallery, Karachi, de 5 a 14 de maio de 2026
Capa: Oração de Usaid Agha (à esquerda) e Testemunha I, de Mustafa Mohsin
Publicado pela primeira vez em Dawn, EOS, 31, 2026
